Dossier Hayao Miyazaki - Ghibli - Partie 3

Une constance mouvementée

On retrouve, dans toutes les œuvres majeures de Miyazaki, un même schéma moralisateur, une même base pour se construire une réflexion. Pourtant, la mise en scène de ces thématiques varie sans conteste d’un film à l’autre. A chaque fois, les mondes qu’il modèle, tant au cinéma que sur papier, sont remplis d’une cohérence surprenante, où chaque détail a son importance. C’est parce que Miyazaki établit des règles à ses univers libres de toute entrave que le public ne peut qu’être admiratif et convaincu. S’il fallait « ranger » le travail de Miyazaki, ce qui bien sûr n’est possible que théoriquement tant ses travaux sont uniques, trois genres se distingueraient, chaque film se caractérisant par les premières scènes que le spectateur peut admirer: calme et insouciant dans Totoro, violent dans Princesse Mononoké, aérien dans Laputa, voyage sur soi même dans Chihiro …

Tout d’abord, les anciens films du maître décrivent une épopée, un combat contre une idée, un soulèvement pour défendre ce qui importe. On pense évidemment à Nausicaä de la vallée du vent et Princesse Mononoké. On y trouve de l’aventure et de l’action, ainsi qu’un message commun clairement identifiable : le respect de l’environnement et la hantise de la guerre. Dans Nausicaä, le réalisateur nous offre la vision d’un futur possible : la technologie a été ravagée par une guerre, et la puissance écrasante de l’Homme s’en trouve détruite. La Terre se rebelle alors, saisissant l’opportunité de soumettre l’humanité aux sévices qu’elle-même a du subir. La bêtise humaine est alors ici tournée à l’excès, et leur impuissance face aux grandes lois de la Nature est très réaliste. Cependant, Miyazaki ne fait que dénoncer, sans juger. Et cela, il le prouve par l’absence totale de manichéisme chez chacun des « camps ». L’hostilité de chacune des parties est justifiée, et c’est à Nausicaä de concilier les deux. C’est bien elle qui se fait ici porte parole de Miyazaki, dénonçant la violence et ses conséquences, posant le problème d’un choix à faire entre la survie de la planète ou celle de l’Homme, sous les airs d’une princesse rebelle. Princesse Mononoké n’est pas bien différent. En effet, on y dénonce également la bêtise de l’Homme, l’importance de respecter la Nature, à travers une héroïne courageuse et marginale, tout comme Nausicaä, sans tomber un seul instant dans le cliché Bien / Mal, puisque ici encore, on peut trouver des personnages bien plus complexes que ces notions abstraites (Dame Eboshi). Ici, le point de vue de l’auteur est également extérieur, puisque Ashitaka est relativement neutre dans ce combat acharné, et ne fait que rechercher une paix utopique. Pourtant, le lien entre la Nature et l’Homme est bien plus développé, notamment à travers la folie des animaux, qui s’humanisent pour devenir violents, destructeurs et meurtriers. Au final, on a ici deux films très semblables sur le fond, qui gardent néanmoins leur caractère unique et enchanteur, tout en étant globalement sombre et stimulant la réflexion.

Ensuite, le studio Ghibli nous offre un éventail assez large de poèmes allégoriques, fables insouciantes ou morceaux de rêve à l’état pur. Le plus représentatif est évidemment Mon voisin Totoro, dans lequel on assiste aux scènes de la vie quotidienne, sans actions ni drames, sans conviction autre que la Vie. Malgré la lenteur de la narration, la joie et la nostalgie présentes dans ce film plairont autant que la double série Aqua / Aria (Kozue Amano) l’a fait. Plus qu’une description de la vie japonaise et des paysages nippons, c’est le rêve qui domine, ne s’adressant pas qu’aux enfants mais également à ceux qui souhaiteraient le redevenir. Ce film n’est pas là pour fournir une réponse à la violence de la vie, mais juste pour bluffer complètement un public occidental qui ne s’y attendait pas … D’une manière assez semblable, Kiki la petite sorcière fait de la vie quotidienne une aventure. Miyazaki dépeint les joies, les peines, les angoisses et les aspirations d’une jeune fille un peu désorientée. C’est ici, un peu à la manière de Chihiro, une héroïne qui cherche à s’intégrer et à prendre une certaine forme d’indépendance. Pourtant Kiki est plus posée, son histoire est moins magistrale, ce qui en fait un film globalement ordinaire, lui conférant une originalité indéniable et une qualité méconnue. La difficulté de grandir intervient aussi dans Le royaume des chats, sous le ton de l’enfance et du rêve, d’une fantaisie très simple et enfantine, qui apporte sa dose d’humour. Enfin arrive le film de Miyazaki le plus délicat à définir. Le château dans le ciel arrive en effet à concilier l’aventure avec toute la dimension posée et enchanteresse de Totoro ou Kiki. On y trouve ainsi les thèmes aventureux tels que la montée en puissance de la Nature sur l’humanité, la déchéance de la technologie, mais également beaucoup d’émotion, simple et presque enfantine, ainsi qu’une dose d’humour qui rapproche le film des plus jeunes spectateurs. Ce dernier chef d’œuvre est la preuve vivante du mélange incessant qui s’opère entre les différentes œuvres du maître, et du caractère mouvementé de la constance qu’on lui attribue.

Enfin, on peut voir dans la carrière de Miyazaki un goût pour les voyages, ceux que l’on fait à l’intérieur de soi. La découverte d’un futur, d’un destin, la découverte que l’on peut faire sur soi même. Véritables voyages initiatiques, Le voyage de Chihiro et Le château ambulant en sont la représentation la plus évidente. Chihiro invite le public à retourner vers son enfance, vers le moment de sa prise d’autonomie, lors du passage à l’âge adulte. La petite fille, si égoïste et gâtée au début du film, devient peu à peu plus souple, apprend à ressentir l’humilité, la peur, l’amour, la pitié et la compassion. C’est comme cela qu’elle prend peu à peu en compte l’ampleur de ses responsabilités, de ce qui dépend directement de son attitude. Après beaucoup d’efforts, notamment au début, Chihiro arrive à s’intégrer dans un système pourtant hostile, afin d’y plonger pour le maîtriser totalement. Imposant peu à peu sa personnalité, Chihiro n’entreprend pas qu’un banal voyage physique, mais bien spirituel, qui donnera naissance à une héroïne plus mature, détachée et sensible du monde. Le château ambulant, quant à lui, sublime le lien entre l’apparence et la personnalité. C’est une Sophie terne, naïve et timide que l’on voit en cette jeune adolescente un peu perdue, et on trouve peu à peu un véritable caractère dans sa peau ridée et ses cheveux blancs, caractère qui va grandir peu à peu jusqu’à s’affirmer totalement, lui rendant sa forme première. Alors oui, les Miyazaki sont plus ou moins semblables. Mais en même temps, ils se trouvent être totalement différents. De nombreux détails et souci de style chamboulent ce manque apparent d’originalité. Cela ne s’explique pas, c’est simplement le génie du réalisateur et auteur que de fasciner à chaque fois.

Ponyo, l’apogée d’un genre?

Ponyo sur la falaise est au premier abord une simple histoire d’amour entre deux jeunes enfants, inspirée d’un conte bien connu, La petite sirène d’Andersen, où la jolie Ariel se transforme en humaine par amour, pour finir écume suite à la déception d’un sentiment non partagé … Cependant, Hayao Miyazaki s’éloigne des sentiers battus de Walt Disney pour adapter cette magnifique histoire à sa manière, y rajoutant un peu d’humour, beaucoup de plaisir, un grain de réflexion et une abondance d’esthétisme. Ce passionné d’avions et de nuages se lance cette fois ci dans un monde aquatique, qui rassemble de nombreuses caractéristiques de son style, mais qui, au final, n’est pas si représentatif que ça de son œuvre.

Tout d’abord, il y a bien entendu le rapport de l’Homme à la Nature. Ici, la mer est vue comme un esprit à part entière, une divinité mystique et inatteignable, se mêlant parfois aux humains dans de rares occasions. Tout l’univers fantastique est représenté mais au-delà de ça, la fragilité de cette Nature n’est que précaire, tout comme sa soumission à l’humanité. Celle ci va se rebeller, portant Ponyo comme cause du dysfonctionnement de la relation dominant / dominé. La pollution est clairement sous entendue, même si le sujet est traité de façon plus légère, afin de coller à l’idée de conte agréable et, par bien des aspects, insouciant. Miyazaki montre ici que l’équilibre entre la Nature et l’Homme est mince, qu’il peut se briser en un rien de temps, phénomène notamment sublimé par la présence des substances sombres que l’on retrouve dans nombre des œuvres du maître. Cependant, leur rôle n’est plus d’effrayer mais de porter l’histoire. Leurs ridicules tentatives pour happer Sosuke en deviennent comiques, tout ça pour permettre au film de paraître si anodin. D’ailleurs, encore une fois, il n’y a pas de méchant ici, Ponyo reste dans une optique positive et authentique, ne tombant jamais dans le cliché d’une opposition évidente et superficielle. On retrouve également des sentiments déjà présents dans la plupart de ses films, entre autre la fidélité, l’amitié, le courage, l’amour et la pureté. Avec plaisir, on découvre quelques scènes pleines d’innocence, d’humour et de fraîcheur, notamment lors de la cohabitation de Ponyo, Lisa et Sosuke. Sans parler de l’enfance et de l’utilisation d’une héroïne féminine, Miyazaki inclus ici de nombreuses scènes en rappelant d’autres : l’image du tunnel, par exemple qui, comme dans Le voyage de Chihiro, symbolise une étape, un obstacle à franchir. Enfin et surtout, certains se poseront la question de l’absence de scènes de vol. Pourtant, dans un contexte maritime, le réalisateur a su tirer un avantage d’une scène, qui symbolise plus qu’un avion la notion de liberté totale, de confiance et de joie à l’état pur : la scène dans laquelle Ponyo court après la voiture de Lisa et Sosuke parle d’elle-même …

Malgré une apparente apogée, Ponyo ne constitue en aucun cas un catalogue de tous les Miyazaki. C'est une œuvre parmi les œuvres. Les personnages secondaires sont bâclés et presque transparents : Fujimoto, à l’origine prometteur, n’est absolument pas exploité. Un mystère insondable règne en effet autour de ses motivations, sa manière d’agir, sa psychologie … Il paraît juste incarner le stéréotype (chez Miyazaki, quel paradoxe !) du personnage belliqueux au début puis raisonnable, ne désirant qu’une fin prévisible. Lisa est également oubliée, et ne prend qu’un rôle très modeste, puisque son propre fils l’appelle par son prénom, ce qui met une distance entre elle et le spectateur. Dans la même lignée, la vieille dame Toki passe du statut d’acariâtre à celui de protectrice, sans que l’on comprenne quelle place elle occupe pour le héros. Ce dernier n’est d’ailleurs pas franchement plus travaillé, comme si on savait tout de lui avant de visionner le film … Sosuke est le parfait modèle du petit garçon de 5 ans, dévoué, fidèle et attentionné. On est loin de la charismatique Chihiro, que l’on prenait plaisir à découvrir au fur et à mesure. Ici, point de personnalité pour un personnage principal plat et sans intérêt notoire. Seule Ponyo est une réussite, puisque, elle, suit la voie de Chihiro, évoluant à travers l’histoire, ce qui est la preuve qu’un personnage féminin est bien plus profitable au travail de Miyazaki … Pas de surprise, Sosuke n’évolue pas et nous offre une fin prévisible, sans aucun rebondissement. Il ne faut pas se leurrer, Ponyo sur la falaise reste un excellent film d’animation, doté d’une qualité artistique impressionnante grâce à l’utilisation bluffante de l’aquarelle, mais peu profond pour un Miyazaki. Il ne peut en effet pas prétendre égaler les autres œuvres du maître, même si les thématiques qui lui sont chères sont bel et bien présentes.