Le manga, avec ses récits captivants et ses personnages hyper expressifs, a conquis le cœur de millions de lecteurs à travers le monde. Mais au-delà des histoires et des aventures qu’il raconte, le manga se distingue également par un style artistique unique qui en fait un genre à part entière. Les grands yeux qui capturent les émotions, les coiffures excentriques qui défient les lois de la gravité, les postures dynamiques qui transpirent l'action - autant d’éléments qui définissent le manga comme un art visuel distinctif.
Apprendre à dessiner un manga, ce n’est pas simplement maîtriser les techniques de dessin de base, mais aussi comprendre et intégrer les codes visuels et narratifs propres à ce style. Que vous soyez un artiste débutant ou un illustrateur confirmé, saisir l’essence de ce langage graphique vous permettra de créer des œuvres qui résonnent avec l’âme du manga.
Cet article vous guide à travers les éléments clés du dessin de manga. Si nous ne vous apprendrons pas à dessiner un manga ici, vous y découvrirez quand même les techniques de base théoriques pour dessiner un visage ou un corps, mais aussi comment utiliser les codes narratifs, les perspectives, et même les onomatopées pour donner vie à vos personnages et à vos histoires. En suivant ces conseils, vous ne ferez pas que dessiner : vous apprendrez à raconter des histoires à la manière des plus grands mangakas.
Alors, prenez vos crayons, laissez-vous inspirer par les maîtres du genre, et plongez dans l’univers du manga avec confiance. Le voyage pour maîtriser cet art exigeant commence ici !
Comprendre les fondamentaux du dessin de manga
1. Origines et évolution du manga
Le mot "manga" signifie littéralement "image dérisoire" en japonais, mais ce terme cache une richesse culturelle immense. Né au Japon au cours du XIXe siècle avec des œuvres comme celles de Hokusai, le manga a progressivement évolué pour devenir un média majeur, aussi bien au Japon qu’à l’international. Aujourd’hui, il existe une multitude de genres de manga, chacun ayant ses propres codes et publics : le shōnen pour les jeunes garçons, le shōjo pour les jeunes filles, le seinen pour un public adulte, et bien d’autres encore.
Chaque genre possède ses propres caractéristiques visuelles et narratives. Par exemple, le shōnen se concentre souvent sur l’action, avec des personnages aux traits affirmés et des scènes de combat dynamiques. En revanche, le shōjo met l’accent sur les émotions et les relations, avec des dessins plus délicats et des personnages aux yeux expressifs. Comprendre ces distinctions est essentiel pour tout artiste souhaitant dessiner dans le style manga, car cela influence la manière dont vous allez créer vos personnages, structurer vos pages et utiliser les codes visuels.
2. Les codes visuels du manga
Les mangas sont immédiatement reconnaissables grâce à un ensemble de codes visuels spécifiques. Pour réussir à dessiner un manga qui respecte l’esprit de ce style, il est crucial de comprendre et de maîtriser ces éléments :
- Les caractéristiques des visages : les visages dans le manga se distinguent par des yeux particulièrement grands et expressifs, capables de capturer une large gamme d’émotions en quelques traits. Selon le genre et le style de l’œuvre, les yeux peuvent varier considérablement, mais ils restent toujours le point focal du visage. Le nez et la bouche, en revanche, sont souvent simplifiés pour ne pas détourner l’attention des yeux. Dans un manga shōnen, les traits sont plus marqués, tandis que dans un shōjo, les visages sont souvent plus doux et angéliques.
- Les proportions du corps : les proportions varient également en fonction du genre. Par exemple, les personnages de shōnen sont généralement dessinés avec des proportions plus héroïques - un torse large, des bras musclés - pour renforcer l’idée de force et de dynamisme. Dans le shōjo, les corps sont plus élancés, avec des membres longs et fins, reflétant la grâce et la légèreté. Les proportions peuvent aussi être stylisées, avec des têtes plus grandes par rapport au corps, notamment pour les personnages "chibi" (petits et mignons).
- Dynamisme des postures : le mouvement est au cœur du manga. Contrairement à d'autres styles de bande dessinée, le manga se concentre sur des poses dynamiques et des angles de vue spectaculaires pour insuffler de l'énergie dans chaque scène. Que ce soit un personnage en plein saut, une scène de combat ou une simple discussion animée, les postures exagérées sont utilisées pour transmettre un sentiment de vivacité et d'émotion intense.
3. Le pouvoir des détails
Les détails sont essentiels pour faire ressortir l'authenticité d’un dessin de manga. Qu’il s’agisse de vêtements complexes, d’accessoires spécifiques à un personnage, ou encore d’arrière-plans détaillés qui plongent le lecteur dans l’univers de l’histoire, chaque élément compte. Nous attirons votre attention sur ces points en particulier :
- Les vêtements et accessoires : les costumes des personnages varient en fonction du contexte (école, monde fantastique, époque historique, etc.) et jouent un rôle crucial dans leur identification visuelle. Par exemple, dans un manga shōjo, on trouve souvent des uniformes scolaires stylisés, tandis que dans un manga de fantasy, les personnages peuvent porter des armures ou des robes complexes. Ces détails aident à définir non seulement le personnage, mais aussi l’univers dans lequel il évolue.
- Les arrière-plans et environnements : bien que certains mangas privilégient les arrière-plans minimalistes pour se concentrer sur l'action, d'autres les utilisent pour renforcer l'atmosphère de l’histoire. Les décors urbains, les paysages naturels, ou même les scènes futuristes contribuent à l’immersion du lecteur et peuvent ajouter une profondeur supplémentaire à la narration visuelle.
Décrypter les techniques de base du manga
Une fois que vous avez compris les fondamentaux du manga, il est temps de plonger dans les techniques de dessin qui donneront vie à vos personnages. Le style manga repose sur une maîtrise particulière des visages, des cheveux, des corps, et du mouvement. Ces éléments, lorsqu'ils sont bien utilisés, permettent de créer des œuvres captivantes et expressives, fidèles à l’esthétique unique du manga.
1. Dessiner un visage de manga
Le visage est le reflet de l'âme de vos personnages. Dans le manga, le visage d’un personnage est souvent ce qui capture immédiatement l’attention du lecteur, en raison des émotions intenses et variées qu’il peut exprimer. Nous vous invitons à faire attention à ces points en particulier :
- Structure générale du visage : be visage de manga est typiquement dessiné en partant d’une forme simple, généralement un ovale légèrement aplati vers le bas pour représenter le menton. La ligne médiane verticale détermine la symétrie du visage, tandis qu’une ligne horizontale, légèrement en dessous du centre, place les yeux. Ces lignes de construction sont essentielles pour positionner les traits du visage avec précision.
- Placement des yeux, du nez et de la bouche : bes yeux, souvent disproportionnés par rapport à un visage réaliste, sont placés en premier car ils sont l'élément clé du visage. Ils sont généralement situés juste en dessous de la ligne médiane. Le nez, minimaliste, est souvent réduit à une simple ligne ou une ombre et se trouve entre les yeux et la bouche. La bouche, quant à elle, est placée près du bas de l’ovale, et peut être fine et discrète ou plus prononcée selon l’émotion exprimée.
- Les expressions faciales : ba véritable force du dessin de manga réside dans sa capacité à exprimer une large gamme d’émotions avec une économie de moyens. Des sourires radieux aux larmes déchirantes, en passant par la colère explosive ou la surprise exagérée, chaque émotion peut être capturée par la forme et la taille des yeux, l'inclinaison des sourcils, et la courbure de la bouche. Apprendre à manipuler ces éléments vous permettra de donner à vos personnages une profondeur émotionnelle palpable. Si vous souhaitez en savoir plus, sachez que nous avons déjà rédigé un article à ce sujet ici.
2. Le style capillaire dans le manga
Les cheveux occupent une place centrale dans l'identité visuelle d'un personnage de manga. Ils sont capables de refléter la personnalité, l'humeur, ou même l'évolution d’un personnage au fil de l’histoire. Le manga offre une grande liberté dans le design des coiffures, allant des coupes classiques aux styles les plus audacieux et fantaisistes. Par exemple, les héros de shōnen arborent souvent des cheveux hérissés ou en bataille, symbolisant leur énergie et leur détermination. En revanche, les héroïnes de shōjo présentent fréquemment de longues mèches soyeuses, synonymes de douceur et de romantisme.
Pour que les cheveux semblent vivants, il est essentiel de leur insuffler du mouvement. Même dans les scènes statiques, les mèches doivent suggérer une certaine fluidité. Le volume est tout aussi crucial ; les cheveux ne doivent jamais paraître plats ou collés au crâne. En jouant sur la courbure et l’épaisseur des mèches, vous pouvez créer des coiffures réalistes ou exagérées qui accentuent le style et le dynamisme de vos personnages.
3. Corps et mouvement
Le corps dans le manga ne se limite pas à une simple structure anatomique : il sert d'outil pour exprimer l'émotion, l'action et l'intensité. Savoir représenter un corps avec précision tout en y intégrant le dynamisme typique du manga est une compétence essentielle. Les proportions varient largement selon le genre et l’atmosphère que vous souhaitez créer. Par exemple, les personnages de shōnen, souvent engagés dans des combats, présentent des proportions exagérées pour accentuer leur puissance : épaules larges, muscles bien définis, jambes solides. À l'inverse, les personnages de shōjo affichent des corps plus fins et élancés, avec des traits qui soulignent la grâce et la beauté.
Le mouvement est l'une des caractéristiques clés du manga, notamment dans les genres orientés vers l’action. Les postures dynamiques, les angles de vue dramatiques et les lignes de mouvement (speed lines) sont utilisés pour intensifier les scènes. Lors de la création d’une scène d’action, il est important d’exagérer les poses, de jouer avec les perspectives et d’utiliser des courbes pour suggérer la fluidité et l’énergie. Cela permet de capturer l’essence du mouvement et de maintenir l’intérêt du lecteur.
4. Détails et finitions
On arrive enfin aux finitions ! Les détails ajoutent de la profondeur à vos personnages et à votre art en général. Prenez soin de soigner les finitions pour donner à vos dessins une allure professionnelle, notamment celles-ci :
Les textures et les ombres : l’ajout de textures et d’ombres peut donner plus de réalisme et de volume à vos dessins. Par exemple, les plis des vêtements, les reflets dans les yeux, ou encore les ombres portées sur les visages sont des détails qui enrichissent votre œuvre.
L'encrage et le tramage : l'encrage est une étape cruciale dans la création d'un manga. Il s'agit de repasser sur les contours de votre dessin au crayon pour obtenir des lignes nettes et précises. Le tramage, quant à lui, consiste à ajouter des motifs ou des ombrages en utilisant des feuilles de trames (ou des outils numériques). Cela permet de donner du relief et de la texture à vos dessins, tout en respectant le style traditionnel du manga.
Comment utiliser les codes narratifs du manga
Le dessin d’un manga ne se limite pas à la simple illustration. Il s’agit avant tout de raconter une histoire de manière visuelle, en exploitant au maximum les codes narratifs propres au manga. Ces codes vont bien au-delà des dialogues et englobent des éléments tels que la mise en page, l’utilisation des onomatopées, et le choix des cadres. Maîtriser ces aspects vous permettra de créer un manga fluide, captivant, et riche en émotions.
1. La mise en page et le découpage
L’une des spécificités du manga réside dans son découpage et sa mise en page, qui se distinguent de ceux des bandes dessinées occidentales. L’objectif est de guider l’œil du lecteur de manière fluide tout en transmettant l’intensité de chaque scène. Avant de dessiner les planches finales, il est essentiel de réaliser un story-board, ou "name" en japonais. Ce schéma préliminaire permet de visualiser la structure narrative et de déterminer la répartition des cases sur chaque page. Un bon story-board prend en compte le rythme de l’histoire et la dynamique entre les scènes calmes et celles plus mouvementées. Par exemple, une séquence d’action rapide peut nécessiter plusieurs petites cases pour accentuer le dynamisme, tandis qu’une scène émotionnelle peut bénéficier d’une grande case pour renforcer l’impact visuel.
Le manga se lit de droite à gauche, une particularité qui doit être prise en compte lors du découpage. Le rythme de lecture est également crucial, car il doit être ajusté pour correspondre à l’émotion ou à la tension narrative que vous souhaitez créer. Les mangakas jouent souvent avec la taille des cases, la disposition des éléments sur la page et même les espaces blancs pour ralentir ou accélérer la lecture. Par exemple, une large case avec peu de détails peut induire une pause contemplative, tandis qu’une succession de petites cases pleines d’action peut transmettre un sentiment d’urgence.
2. L’Utilisation des onomatopées
Les onomatopées, ou "gitaigo" et "giongo" en japonais, sont omniprésentes dans le manga. Elles ne se contentent pas de décrire des sons, mais ajoutent également du dynamisme, de l’émotion, et de l’impact visuel à votre récit. Contrairement à la bande dessinée occidentale, où les onomatopées sont souvent discrètes, dans le manga, elles font partie intégrante de l’action visuelle. Elles ne servent pas seulement à représenter des sons, comme un coup, une explosion ou un pas, mais aussi des sentiments ou des ambiances. Par exemple, une onomatopée pour un battement de cœur rapide ("doki doki") peut souligner l’anxiété ou l’excitation d’un personnage, tandis qu’un long "fuwaaa" peut exprimer la douceur d’un souffle ou la légèreté d’un moment.
Les onomatopées doivent être placées de manière stratégique pour enrichir le dessin sans le surcharger. Elles peuvent être intégrées dans le décor, encadrer une action, ou même se fondre dans les lignes de mouvement pour amplifier le sentiment de vitesse ou de force. Leur style graphique, comme la taille des lettres ou l’épaisseur des traits, doit correspondre à l’intensité de l’action qu’elles représentent. Par exemple, des lettres épaisses et angulaires peuvent indiquer un bruit fort et brutal, tandis que des lettres fines et courbées évoquent un son doux ou une ambiance apaisante.
3. Les cadres et perspectives
L’utilisation des cadres et des perspectives est essentielle pour créer une narration visuellement captivante et renforcer l’impact de chaque scène :
De l'importance des angles de vue : les angles de vue jouent un rôle crucial dans la manière dont une scène est perçue par le lecteur. Un angle de vue en plongée, où l’on regarde un personnage d’en haut, peut donner une impression de vulnérabilité ou d’impuissance. À l’inverse, un angle en contre-plongée, où l’on regarde un personnage d’en bas, peut le rendre impressionnant ou intimidant. Les changements d’angle peuvent également dynamiser une scène d’action ou souligner un moment dramatique.
De l'utilisation des arrière-plans : les arrière-plans dans un manga ne servent pas seulement à situer l’action, mais aussi à renforcer l’ambiance de la scène. Un arrière-plan détaillé peut ajouter de la profondeur et de l’immersion, tandis qu’un fond simplifié, voire vide, peut focaliser l’attention sur l’expression d’un personnage ou sur un moment clé de l’histoire. Par exemple, dans une scène de confrontation intense, un arrière-plan abstrait ou rempli de lignes de vitesse peut accentuer l’impact de l’action. Dans une scène plus calme, un paysage paisible ou un décor urbain soigné peut transmettre une ambiance sereine ou nostalgique.
Les éléments de transition : les transitions entre les scènes sont essentielles pour maintenir un flux narratif cohérent. Le manga utilise souvent des techniques spécifiques, comme les "cut-ins" (incrustations de petites cases à l’intérieur d’une grande case) ou les "zoom-ins" (l’effet de zoom sur un détail important) pour passer d’une scène à l’autre tout en gardant une fluidité visuelle. Ces techniques permettent de guider subtilement le lecteur et de mettre en avant des détails cruciaux sans briser le rythme de la narration.
S'inspirer des maîtres et trouver son style de dessin
Dessiner un manga, c'est bien plus que suivre des techniques précises. C'est un acte de créativité qui nécessite à la fois de s'inspirer des maîtres du genre et de développer une voix artistique unique. Cette partie explore comment puiser dans les œuvres des grands mangakas tout en forgeant un style personnel, distinctif et authentique. Mais surtout, SURTOUT, ne baissez JAMAIS les bras ! Comme beaucoup de choses dans la vie, le dessin nécessite de travailler sans relâche si vous souhaitez progresser. Mais soyez sûr que la motivation vous manquera, parfois... Alors ce sera le bon moment de justement retourner voir les auteurs que vous aimez et d'y puiser de l'inspiration.
1. Étudier les grands mangakas
Les maîtres du manga ont tous laissé une empreinte indélébile sur l’industrie grâce à leur style unique, leurs récits captivants et leur capacité à innover tout en respectant les codes du genre. Étudier leur travail peut vous fournir non seulement une inspiration visuelle, mais aussi des leçons sur la narration et l’esthétique. Cela passe par deux étapes que je vous invite à travailler.
- Analysez les styles célèbres : chaque grand mangaka a un style reconnaissable. Par exemple, Osamu Tezuka, souvent considéré comme le "père du manga moderne", a introduit un style graphique proche de celui des dessins animés, avec des personnages aux grands yeux expressifs, mais c'est surtout son approche narrative, influencée par le cinéma, qui a révolutionné le manga. Akira Toriyama, célèbre pour Dragon Ball, est reconnu pour ses personnages dynamiques et ses scènes d’action intenses, tandis que Naoko Takeuchi, la créatrice de Sailor Moon, a popularisé le style shōjo avec des personnages élégants et des décors détaillés. En étudiant leurs œuvres, vous pouvez apprendre comment ces artistes utilisent les perspectives, gèrent les transitions entre les scènes, ou encore créent des personnages inoubliables.
- Analysez leurs techniques narratives : les grands mangakas ne se contentent pas de dessiner, ils sont aussi d’excellents conteurs. En lisant attentivement leurs œuvres, vous pouvez observer comment ils structurent leurs histoires, développent leurs personnages, et maintiennent l’intérêt du lecteur. Par exemple, Masashi Kishimoto, l’auteur de Naruto, excelle dans l’art de construire des arcs narratifs complexes où chaque personnage évolue et se développe. CLAMP, le collectif féminin derrière des œuvres comme Cardcaptor Sakura et X/1999, est réputé pour ses intrigues entrelacées et ses atmosphères mystérieuses. Apprendre de ces maîtres vous aidera à améliorer votre propre narration et à créer des histoires qui résonnent avec vos lecteurs.
2. Expérimenter et trouver votre propre style
Après avoir étudié les grands mangakas, l’étape suivante est de trouver votre propre voie. S’inspirer est essentiel, mais il est tout aussi crucial de développer un style qui vous est propre, qui reflète votre personnalité, vos expériences, et votre vision artistique. Voici mes 3 conseils pour y parvenir :
- Mélangez les influences : il est rare qu’un style soit créé de toutes pièces. La plupart des artistes se forgent en combinant diverses influences, qu’il s’agisse de mangas classiques, d’animations, ou même d’autres formes d’art. Pourquoi ne pas aller chercher du côté des comics ou de la BD francà-belge, même ? En mélangeant ces influences, vous pouvez créer un style unique qui reflète vos goûts et vos inspirations. Par exemple, vous pourriez combiner l’approche dynamique du shōnen avec l’élégance du shōjo, ou intégrer des éléments de manga d’avant-garde à une structure plus traditionnelle.
- Expérimentez avec les techniques : ne vous limitez pas aux techniques que vous connaissez déjà. Il n'y a AUCUNE LIMITE à votre créativité. Explorez différentes méthodes d’encrage, de tramage, de mise en page, ou de coloration. Par exemple, essayez d’incorporer des éléments de peinture numérique à votre style manga traditionnel, ou expérimentez avec des textures pour donner plus de profondeur à vos dessins. Ces expérimentations vous aideront à découvrir ce qui fonctionne le mieux pour vous et à affiner votre style.
- Écoutez les retours, mais restez fidèle à vous-même : les retours, qu’ils proviennent de votre entourage, de vos lecteurs, ou de la communauté artistique, sont précieux pour progresser. Ils vous permettent de prendre du recul sur votre travail et d’identifier vos points forts et faibles. Toutefois, il est important de ne pas perdre de vue votre vision artistique. Le style que vous développez doit avant tout vous correspondre. N’ayez pas peur de sortir des sentiers battus et de suivre votre propre chemin, même si cela implique de prendre des risques créatifs. Et surtout, soyez assuré : il y aura toujours quelqu'un pour apprécier votre travail (même si celui-ci vous déplait).
3. L'Évolution continue de votre style
Votre style de dessin évoluera au fil du temps, à mesure que vous gagnerez en expérience et en confiance. Cette évolution est une partie naturelle du processus créatif. Pour progresser, il est essentiel d’avoir un regard critique sur votre propre travail. Analysez vos dessins passés et identifiez les domaines à améliorer. Peut-être avez-vous fait des progrès en matière de proportions, mais rencontrez encore des difficultés avec les expressions faciales. Il est possible que vos arrière-plans manquent de détails ou que vos scènes d’action pourraient être plus dynamiques. Cette auto-analyse vous aidera à cibler vos efforts et à continuer à évoluer.
Même après avoir trouvé votre style, il est crucial de continuer à vous inspirer et à apprendre. Le monde du manga est en constante évolution, avec de nouvelles tendances et de nouveaux artistes qui repoussent les limites du genre. Gardez un œil sur ces évolutions, explorez de nouvelles œuvres, et restez ouvert aux influences extérieures. Cela vous permettra de maintenir votre style frais et pertinent tout en intégrant de nouvelles idées.
Voilà, vous savez maintenant (presque) tout ce qu'il y a à savoir sur comment dessiner un manga. Il ne vous reste plus qu'à vous équiper de votre crayon et d'aller coucher vos idées sur le papier...
Bonne chance !
Article réalisé par Kello
