Divers Japan Expo - Interview Akemi Takada

Mercredi, 02 Septembre 2009 à 11h56

Akemi Takada, célèbre illustratrice et dessinatrice japonaise, a accepté de nous accorder une interview durant la Japan Expo 2009. Elle débute notre entretien en disant quelques mots dans un français quasiment impeccable: "Bonsoir, je m'appelle Akemi Takada. C'est la cinquième fois que je viens en France".

Manga-News: Akemi Takada, merci infiniment d'accepter de répondre à nos questions. Vous avez étudié à l'université des Beaux-Arts. Saviez-vous déjà ce que vous vouliez faire à cette époque?
Akemi Takada: Je suis entrée dans cette université dédiée aux arts graphiques pour être directrice de publication et travailler dans la publicité, mais en vérité, je voulais être mangaka. A mon époque, il n'y avait pas d'école spécialisée dans le manga et l'anime, et face à la pression de mes parents pour que j'aille à l'école, j'ai intégré cette université.


Votre style est facilement reconnaissable. Quelles sont vos principales influences et inspirations?
Quand j'étais à l'université, Alfons Mucha était une référence pour la colorisation et l'utilisation des couleurs, et l'est encore maintenant. En ce qui concerne le character design, je considère un peu Yoshitaka Amano comme mon maître car il m'a apporté beaucoup de choses.


Justement, vous disiez que vous vouliez être mangaka, et vous avez finalement travaillé dans le domaine de l'animation. Qu'est-ce qui vous a amenée dans ce milieu?
Lorsque j'étais à l'université, j'ai gagné un prix par rapport aux manga, mais au moment de travailler, je me suis retrouvée face à un petit dilemme: La Tatsunoko, société que j'aimais beaucoup pour ses animes, m'a engagée. Au lieu de faire des stages dans des bureaux de design, je n'ai pas arrêté d'aller faire des stages chez la Tatsunoko durant toute ma période universitaire, et au final, il ne me restait plus qu'à me faire engager là-bas (rires).


Est-ce compliqué de reprendre des personnages déjà créés par quelqu'un d'autre?
On ne peut pas dire que ce soit véritablement difficile, pour la bonne raison qu'à chaque fois que l'on ma proposé un travail, celui-ci m'était en quelque sorte prédestiné au niveau du style de base.


Parmi toutes vos participations à des character designs d'animes, quelle est celle qui vous a le plus marquée et pourquoi?
Il s'agit de Creamy Mami, car j'en ai créé le design de A à Z. Mais au niveau de l'oeuvre en elle-même, il s'agit de Patlabor, car il m'a fallu beaucoup de temps pour comprendre les personnages.




En fait, vous aviez besoin de vous approprier les personnages pour pouvoir les dessiner?
Oui, je prends le temps de bien comprendre l'âme du personnage avant de pouvoir le retranscrire sur papier, et le problème avec le personnage de Noa dans Patlabor, c'est qu'il n'était pas un personnage fantastique, voire fantasque, puisque c'est un personnage qui devait paraître réel.


Comment cela se passe lorsqu'on vous propose de travailler sur un projet qui a déjà une base, comme Maison Ikkoku (Juliette je t'aime) qui existait déjà en manga?
Dans la proposition, qui se fait la plupart du temps par les studios qui vont réaliser l'anime, on me demande si je serai capable de faire tel personnage, puis lors de la réalisation du personnage, je me documente un maximum sur celui-ci pour mieux le comprendre et le réaliser sur papier.




L'un de vos premiers grands travaux fut le chara design de la version animée de Urusei Yatsura/Lamu. Avez-vous ressenti beaucoup de pression et de la fierté en travaillant sur cette œuvre devenue culte au Japon?
Il n'y avait pas vraiment de pression puisque les studios m'avaient choisie parce qu'ils appréciaient mon style. Certes, il y a eu quelques différends, mais pas vraiment de pression. Par exemple, les choix au niveau de la colorisation des personnages étaient mes choix personnels.




Justement, quand vous trouvez que quelque chose ne va pas, arrivez-vous à imposer vos idées?
Pas toujours. Par exemple, au sujet de Patlabor, où des choix ont dû être faits, la très forte personnalité du réalisateur, Mr Mamoru Oshii, a fait que bien souvent, ce n'était pas les choix que je préférais qui étaient choisis (rires).


Vous travaillez également en tant qu'illustratrice pour des couvertures de romans et de magazines. Ce travail est-il vraiment différent de celui de character designer?
La différence entre le design d'un personnage et l'illustration, c'est qu'en ce qui concerne le design d'un personnage d'anime, il faut penser qu'il sera repris, réécrit par la suite, ce qui n'est pas le cas pour l'illustration, qui laisse plus place à la fantaisie.


Depuis vos débuts, trouvez-vous que le travail de character designer a fortement évolué, notamment avec l'apparition de l'outil informatique?
Deux points sont à souligner. Premièrement, beaucoup de personnes se sont inspirées de mes dessins, donc je vois cette évolution, sans pour autant affirmer que c'est en voyant mon travail qu'elles ont eu envie d'exercer leur métier actuel. Deuxièmement, le design commence toujours avec un papier et un stylo. En ce qui concerne le chara design, ce sont toujours le papier et le stylo qui dominent, mais en ce qui concerne les illustrations, il est vrai que de nos jours, les jeunes utilisent de plus en plus une palette graphique.




Vous-même, utilisez-vous ce genre d'outil dans votre travail?
J'ai une palette graphique, que je n'utilise pas pour faire mes illustrations. Je vais plutôt les scanner. Pour ce qui est de la colorisation, je vais peut-être utiliser une tablette, mais pas toujours. En ce qui concerne le trait, j'utilise toujours le crayon.


Akemi Takada, merci beaucoup!
Merci à vous.